JAY HOWELLS WELT DER PUREN FANTASIE
Ein Gespräch mit dem Cartoonisten und Illustrator Jay Howell über seine Zusammenarbeit an der Stance x Willy Wonka Crew-Kollektion.
Viele von uns kennen das sicher: Man sitzt bei Freunden vor dem großen Fernseher und schaut sich den Originalfilm „Willy Wonka und die Schokoladenfabrik“ von 1971 an. Der Film ist absolut faszinierend: die Farben, die Süßigkeiten, die fantasievolle Welt, die diese Gruppe glücklicher Gewinner der Goldenen Tickets erleben durfte. Gleichzeitig beschlich einen ein leichtes Unbehagen. Der Film ist düster und auf eine Art surreal, die man kaum beschreiben, geschweige denn als Kind nachempfinden kann. Genau dieses Gefühl von Unbehagen und Faszination ist der Grund, warum „Willy Wonka und die Schokoladenfabrik“ Jay Howells absoluter Lieblingsfilm ist.
Anfang Januar machten wir uns auf den Weg nach Portland, Oregon, um den Cartoonisten und Illustrator Jay Howell zu besuchen. Es war regnerisch und viel kälter als das Wetter in Los Angeles, das wir gewohnt sind, aber die Abwechslung war sehr willkommen. Auf halber Strecke der von Bäumen gesäumten Auffahrt begegnete uns Jays struppiger Hund mit dem genialen Namen „Street Dog“. Wir gingen zu seinem Atelier hinauf und stürzten uns gleich hinein.
WELCHE ART VON KUNSTWERKEN/DESIGN FINDEST DU DERZEIT INTERESSANT?
Ich liebe Charakterdesign. Damit habe ich meinen Beruf aufgebaut. Momentan bin ich sehr daran interessiert, Designs für verschiedene Marken und Produkte zu erstellen. Ich arbeite an Surfbrett-, Skateboard-, Rollen- und Snowboard-Grafiken. Ich möchte einen Graphic Novel fertigstellen, an dem ich schon länger schreibe, und außerdem weitere Skateboards, Snowboards und Schuhe entwerfen. Im Moment bin ich voll und ganz in die Welt des Tätowierens, der Produkte und Marken vertieft.
WAS FINDEN SIE INTERESSANT AN DER ARBEIT AN PRODUKTEN UND MARKEN IM VERGLEICH ZUR EIGENEN KREATION?
Ich möchte jetzt einfach noch einen Schritt weitergehen und wirklich an etwas arbeiten, das ich als „ikonisch“ bezeichnen kann. Manche würden sagen, dass die Bob’s Burgers-Sachen ikonisch sind, aber ich möchte mich selbst herausfordern, in diesem Stil zu bleiben und Dinge und Charaktere zu erschaffen, die ikonisch sind.
WIE DEFINIERST DU DICH SELBST UND DEIN KREATIVARBEIT?
Ich bin Cartoonist und Illustrator. Sich als Künstler zu bezeichnen, klingt irgendwie albern. Es wirkt ein bisschen prätentiös. Sich als Cartoonist zu bezeichnen, ist einfach nur witzig und lustig.
WELCHE SIND EINIGE IHRER LIEBLINGS-CARTOONS?
Ich liebe Garfield, ich mag die Pink-Panther-Cartoons und die Peanuts. Diese flächigen Cartoons aus den 60er und 70er Jahren.
WIE HABEN EINIGE DIESER FRÜHEN CARTOONS, DIE SIE GESEHEN HABEN, IHRE KARRIERE INSPIRIERT?
Mein größtes Vorbild sind die Simpsons. Als Kind sah ich die „Tracey Ullman Show“, in der zwischen den Sketchen Simpsons-Kurzfilme gezeigt wurden, und ich dachte nur: „Wahnsinn! Wie ist das möglich?“ Ich war noch ein Kind und wusste nicht, wie ich jemals in so etwas hineinkommen sollte, aber ich wusste, dass ich unbedingt etwas in der Art machen musste. Ich wusste genau, was ich mit meinem Leben anfangen wollte, und von da an verfolgte ich die Kunst. Eine Zeit lang bildete ich mir ein, ich sei ein bildender Künstler, aber das war totaler Quatsch. Ich träumte davon, im MoMA auszustellen oder so einen Blödsinn. Dann sagte ein Freund: „Warum machen wir nicht ein paar kleine Cartoons und bringen die Dinger ein bisschen zum Leben?“ In dem Moment war mir klar, dass die bildende Kunst Geschichte war.
WO WAR IHR EINSTIEG IN DIE ILLUSTRATION UND DAS DESIGN?
Ich bin ein Kind der 80er, also Skateboard-Grafiken – ich meine, ich habe ganze Zeitschriften durchgeblättert, nur um ganz hinten die Board-Grafiken zu sehen. Ich bin in Skateshops gegangen, nur um mir die Boards anzusehen. Es war mein Museum als Kind. Und ist es eigentlich immer noch. Es ist immer noch eine meiner liebsten Kunstinstallationen: die vier Wände eines Skateboardshops. Ich wollte unbedingt Skateboard-Grafiken machen. Alles in meinem Leben, ich wusste nicht wirklich, wie, aber ich musste es mir einfach langsam und mit viel Unwissenheit aneignen.
Was meine Zeichnungen angeht, bin ich stark von der Vergangenheit beeinflusst. Ich mag die Ikonografie von Motorradgangs, die Ästhetik des amerikanischen Stils und die Volkskunst. Ich mag es, wenn Dinge unbeabsichtigt schön sind. Surfen spielt dabei auch eine große Rolle. Es ist ein weiterer Teil des amerikanischen Stils. Leute wie Miki Dora und Rick Griffin und all die anderen, die im Grunde Kunstwerke sind. Dasselbe gilt für Motorradgangs, Surfen, die Grateful Dead und psychedelische Cartoons der 60er. Alles ist miteinander verwoben und ergibt ein Gesamtkunstwerk.
Ich habe mein ganzes Leben in Kalifornien verbracht. Surfkultur, Skatekultur, Zine-Kultur – das ist alles, was ich kenne und was mir wirklich wichtig ist. Erst vor Kurzem hatte ich den starken Wunsch, wegzugehen und meine Komfortzone zu verlassen. Ich wollte mich unwohl fühlen. Ich wollte mich weiterentwickeln und an meine Grenzen gehen. Deshalb bin ich nach Oregon gezogen, aber Kalifornien wird immer meine Heimat bleiben.
HABEN SIE SICH SCHON IMMER KREATIV GEFÜHLT?
Ich weiß nicht, ob ich schon immer kreativ war, aber ich habe es immer versucht. In fast allem bin ich ziemlich gut. Ich sehe mich einfach als jemanden, der es immer wieder versucht. Manche Leute sagen, ich hätte es „geschafft“, aber so sehe ich das nicht.
GLAUBST DU, DU WIRST DAS JEMALS WIEDER TUN?
Ich hoffe nicht. Man sollte nie mit seiner Arbeit zufrieden sein. Nehmen wir das Tätowieren: Ich habe 2009 in San Francisco damit angefangen. Anfangs habe ich nur einfache Stick-and-Poke-Tattoos gemacht, aber ehrlich gesagt dachte ich mir: „Warum dauert das so lange?“ Meine erste Maschine habe ich mir um 2012 zugelegt und nach dem Kneipenbesuch einfach ein paar lustige Tattoos für meine Kumpels gestochen. Aber irgendwann wurde mir klar: Ich bin echt nicht gut darin. Ich wusste, dass ich nur besser werden konnte, indem ich so viel wie möglich übte. Einfach üben. Mit der Zeit wurde ich besser. Aber ich werde nie zufrieden sein. Wenn man zufrieden ist, fängt man an, schlechte Alben zu produzieren. Es ist gut, Risiken einzugehen und nicht selbstzufrieden zu werden.
LASSEN SIE UNS ÜBER DIE KOLLABORATION SPRECHEN, AN DER SIE MITGEARBEITET HABEN. WAS WAR AN DIESER KOLLABORATION UNTERSCHIEDLICH IM VERGLEICH ZU EINIGEN ANDEREN, AN DENEN SIE MITGEARBEITET HABEN?
Letztendlich war Willy Wonka und die Schokoladenfabrik mein absoluter Lieblingsfilm. Wenn ich nur noch einen einzigen Film sehen dürfte, wäre es wohl dieser. Manchmal werde ich gefragt, ob ich an ähnlichen Projekten mitarbeiten möchte, aber ich muss sagen, dass ich da einfach nicht mit Herzblut dabei bin, weil mich die Buchvorlage nicht interessiert. Dieses Projekt hingegen ist spannend für mich. Ich liebe diesen Film einfach.
Und was die Zusammenarbeit angeht, war dieses Projekt unglaublich unkompliziert. Ich habe ein paar grobe Entwürfe erstellt, und das Produktteam kam mit einer sehr klaren Vorstellung davon zurück, wie die Bilder aussehen und angeordnet sein sollten. Stance geht mit vielen verschiedenen Kreativen Risiken ein. Ich arbeite immer gerne mit Designern zusammen, die das Beste aus den Künstlern herausholen wollen, und das ist bei diesem Projekt definitiv gelungen.
WAS MACHT DEN WILLY-WONKA-FILM ZU IHREM LIEBLINGSFILM?
Der Film ist so seltsam. Sie betreten die Schokoladenfabrik erst nach der Hälfte des Films … und trotzdem ist es ein ungemein interessanter Handlungspunkt. Die Musik ist großartig, die Charaktere unvergesslich, die Kulissen wunderschön, alle Schauspieler stechen hervor und die Besetzung ist erstklassig. Und obendrein ist der Film unheimlich und psychedelisch. Er passt perfekt in die damalige Zeit: frühe Motorradgangs, Mad Magazine, National Lampoon, Pink Panther. Es ist diese wunderschöne Zeit der späten 60er und frühen 70er, die aus der psychedelischen Kultur hervorging. Einige der besten Filme entstanden zwischen 1968 und 1978. Der Film hat diesen historischen Moment wirklich gut eingefangen. Er zeigt auch ein wunderschönes Stück England – das verrauchte, schmutzige, postindustrielle England. Alles ist grau und trostlos, und dann ist da diese wunderschöne, farbenfrohe Fabrik. Meine absolute Lieblingsszene ist der Moment, als sie kurz davor sind, hineinzugehen und der Raum immer kleiner wird, bis sie schließlich in die Fabrik mit dem riesigen Schokoladenwasserfall gelangen. Die gesamte Szene ist filmtechnisch einfach genial.
WELCHE SÜSSIGKEIT AUS DER SCHOKOLADENFABRIK WÜRDEN SIE GERNE PROBIEREN?
Ich bin ein großer Schokoladenfan, deshalb würde ich alles probieren wollen. Ich würde auf jeden Fall aus dem Schokoladenfluss trinken.
Nachdem wir nun einige Ihrer Lieblingsmomente aus dem Film gehört haben, wie haben Sie diese Elemente in die Socken-Designs einfließen lassen?
Als wir mit dem Designprozess begannen, habe ich eher im traditionellen Cartoon-Stil gearbeitet, wie ich es von Serien gewohnt bin. Doch einige Produktdesigner von Stance meinten: „Lass uns mal etwas Neues wagen, die Schwarz-Weiß-Linienzeichnungen weglassen und Charaktere entwerfen, die du noch nie zuvor gestaltet hast.“ Das fand ich richtig cool und spannend, und sobald ich grünes Licht bekam, legte ich sofort los. Was die Farben angeht – die waren ja schon da. Der Film hat diesen typischen Technicolor-Look der frühen 70er. Da alles schon existierte, konnte ich direkt Screenshots aus dem Film verwenden und sie in die Charaktere auf den Socken einarbeiten. Die satten Brauntöne, das samtige Lila, die Cremetöne, das Orange, das leuchtende Pink. Die Farben sind einfach fantastisch geworden.
WIE BIST DU BEI DER ERSTELLUNG DEINER VERSION DER WILLY-WONKA-CHARAKTERE FÜR DIESES KOLLABO VORGEGANGEN?
Ich wusste, dass ich nicht weiterkommen würde, bevor ich Wonka nicht zuerst erschaffen hatte. Er musste erst gut aussehen, dann würden die anderen Figuren von selbst entstehen. Nachdem wir die Details um Augen und Nase ausgearbeitet hatten und genau sehen konnten, wie er Gestalt annahm und hervorstach, fügten sich die anderen Figuren ganz einfach zusammen. Es ging nur darum, Ähnlichkeiten zu erkennen: Ikonische Momente innerhalb des bereits bestehenden Charaktergerüsts zu finden, machte es wirklich einfach. Wie Charlies Haare, oder der Candyman mit seinem kleinen Schwung und dem gestreiften Hemd. Mike TV mit seinem kleinen Halstuch und den weißen Stiefeln, Veruca Salt… sie ist wütend wie die Hölle. Es geht einfach darum, diese kleinen Details in den Figuren zu finden und dann damit zu arbeiten.
Wir beendeten das Interview, während Jay einige Socken anprobierte, uns durch sein Studio führte, uns einen Blick in sein Tattoo-Vorlagenbuch gewährte und uns die Kunstwerke an den Wänden erklärte. Street Dog bekam noch einmal den Bauch gekrault, dann bedankten wir uns bei Jay für die Zusammenarbeit und das Gespräch und machten uns auf den Rückweg nach Los Angeles.
